舞者在舞台上为什么要把握两个“自我”

舞蹈演员在舞台上，存在两个“自我”，一个是艺术的“自我”，一个是本来的“自我”。前者指塑造的艺术形象，是舞中的角色，演员在舞台上是“假面”或“代言人”，呈现在观众面前的不是生活中的演员，而是作品中的人物，他的举手投足都是一种艺术符号，表现特定的意义。这就要求演员在舞台上，要忘掉或抛弃本来的“自我”，浸入于规定的情境中，变成作品中的“我”，想角色所想，做角色所做。成熟的演员，在舞台上是一种人造的存在，为了达到理想的功能和审美目的，按美学家勒万松的见解：“有必要从消除他的人性开始，或者说从克服日常生活的习惯开始。他的躯干变成了一种完全可塑的身体，他的四肢仅仅作为某种整体动作的一部分给予刺激。他的整个轮廓具备了某种抽象的对象属性。”

从另一面说，进入艺术的“自我”，又是有意识的行动，离不开演员的创造和驾驭。演员的表演，要符合作品的内容、形式和要求，他必须在编导的意图和规定的范围内行事；他要摆正自己的地位，与同台的其他演出者配合；要考虑怎样做才能与音乐，以及舞台上的灯光，道具等装置和效果相适应，还要对自己的技能有自知之明，并对演出中可能发生的事件有所准备，这就要求演员要保持清醒的头脑，能够进行控制的本来的“自我”。可见演员的表演具有双重性，是矛盾的统一体，要进得去出得来，一方面要忘掉本来的自我，不能在艺术作品中出现，“本我”不能掩盖和破坏“艺我”；艺术中的我，又必须受本我的约束，不能任艺我自由泛滥。优秀的舞蹈家都是这两种“自我”有机结合的典范。表演艺术家查哈瓦说得好：适中的感受力加上自制力能够产生好的演员，才能产生伟大的演员。